大山子常青画廊推出丹尼埃尔·布伦个展

　　布伦个展上，他利用北京的光影在白色小屋上留下了色彩。

　　本报讯（记者周文翰）昨日，北京大山子艺术区的常青画廊推出法国艺术家丹尼埃尔·布伦的个人展览“献予的色与影———现场及位于现场”。

　　在展场的中心是有机玻璃、石膏板、钢制成的尖顶小屋，屋顶一半是彩色，一半是透明玻璃。让布伦遗憾的是，昨天北京的大雾天气让他的作品最精彩的部分没有显露出来：如果有阳光通过那些彩色的玻璃照射进来，形成的一道道光晕将是动人的。

　　丹尼埃尔·布伦是在中国创作了最多作品的法国艺术家之一，五年前他第一次来中国，在深圳创作了一件装置作品。而在2004年中法文化年期间，他在北京天坛树立的蓝白相间的条纹引发了许多游客的好奇心。

　　本次展览展出的十多件作品，除了“为了迸裂的尖顶小屋”，其他都是一些小型装置，也是通过玻璃等制造光影效果的。为了制作“小屋”，他提前一周来到北京，虽然时间有点紧，他还是创作出这件通透的色彩与光影的容器，并把画廊南边的窗户玻璃也刷成彩色，而透过来的光将变成他献给北京的“色与影”。

　　自1965年起，丹尼埃尔·布伦开始探索将条纹布料作为其基本艺术元素进行创作，从此他那标志性的8.7厘米宽的白色与彩色条纹出现在巴黎、威尼斯、纽约众多的画廊、博物馆、街头，甚至是博物馆看馆人的背心上，他说这种系统性的重复更适合表现他对当代社会的体验。

　　在1971年纽约古根海姆博物馆举办的第五届国际展览中，两位美国艺术家激烈地反对布伦的创作，在他们的非难下古根海姆博物馆没有接受布伦参展，而前不久，古根海姆博物馆为布伦举办的个展被认为是一次“平反”。而布伦大度地向记者说“现在已经不是从前，博物馆管理者已经能够容纳我的创作了”。

　　■对话丹尼埃尔·布伦

　　“现场制作是回归艺术本源”

　　从8.7厘米宽的白色与彩色条纹布装置作品，到现在利用光影创作的“为了迸裂的尖顶小屋”，丹尼埃尔·布伦的作品充满童趣并强调现场制作。这些特点从一个侧面显示出表面“稀奇古怪”的当代艺术作品实际上正在努力回归艺术本源。

　　新京报：据我了解，这是继天坛的作品之后，你在北京的第二个展览，你是有意要和上次不同，所以造了一座轻盈的房子而不是用你标志性的条纹？

　　丹尼埃尔·布伦：事实上，这并不是我在北京第二次展出。早在1977年，一个美国画廊主人克莱尔·考普雷来中国访问，她随身带着一些作品在自己居住的宾馆的房间内展览，叫朋友来看，那时候我的条纹作品就曾出现在北京友谊宾馆。我这个房子已经是我在中国的第10个作品了，去年在杭州我也使用彩色玻璃制作了小屋子。

　　新京报：让你最出名的是那些用8.7厘米宽的白色与彩色条纹做成的装置、环境艺术作品，当初你为什么选择8.7厘米宽的条纹呢？

　　丹尼埃尔·布伦：最早是在1975年，那时候我觉得绘画已经不适合我，所以我期望用不同的方式创作。

　　所以我去商店买布料，看到了这种白色与彩色变化的条纹，它们都是8.7厘米宽的，我发现这种布料在各地都有出售，而我在不同的地方都使用这种布料制作作品，这既有变化，也包含重复性的物质内容，我觉得这种不断的重复非常有意思，所以一直用它们进行创作。

　　对我来说，用这种条纹不仅仅表达概念，还让观众可以确定空间中的物质、作品的尺度，比如用一堵被这种条纹覆盖的墙，如果你熟悉我的作品的尺度的话，数数那条纹就能知道墙的长度。

　　新京报：那你什么时候开始屋子系列的创作，那些彩色玻璃、小房子是不是和童年的某些经验有关？

　　丹尼埃尔·布伦：最早在1965年开始这个系列的创作，的确，这和我童年的生活有关系，你知道小孩子总喜欢自己玩造小房子。开始创作的时候，我也制作过一些比现在小很多的房子，自己敲敲打打就制作出来了。

　　新京报：你非常强调现场制作，是否你的每件作品都讲究根据场地进行创作吗？还是有一定的自由度？

　　丹尼埃尔·布伦：是的，现场制作是一些当代艺术家喜欢的方式，我也是这样，从某种意义上来说，这有点复古，是对艺术最原始创作方式的回归。但是具体来说，还要分不同的情况，在博物馆展览的时候我一定要提前看看具体的空间是怎样的，然后根据这个空间创作出作品，但是在画廊或者一些户外展览时，也不是特别的严格，因为大致的地点都差不多，我可以根据他们提供的资料确定作品的大小和位置。当然，如果可能，我还是尽可能提前到现场看看。

　　本报记者周文翰